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Tomás Munita es elegido fotógrafo del año en certamen iberoamericano
Tras la cámara, Tomás Munita (1975) es infatigable. Un mes está en Afganistán, corriendo entre disparos y bombas, y a la semana siguiente es capaz de sumergirse en las calles más peligrosas de El Salvador. Al tiempo que captura la cara más cruda de la guerra, la pobreza y la naturaleza, su reputación como fotógrafo crece y es distinguido con los premios más importantes de la disciplina. “En ningún caso busco la miseria como punto final. Lo que me preocupa es buscar esas historias que nadie sabe y que merecen ser contadas”, ha dicho sobre sus motivaciones. Sin embargo, son esas desventuras las que han consagrado su carrera.
En 2005 ganó el primer lugar del concurso World Press Photo, por una serie de imágenes sobre el terremoto que afectó a la zona paquistaní de Cachemira. Hoy acumula nuevos galardones: Munita acaba de ser elegido el fotógrafo iberoamericano del año en el concurso POY (Picture of the Year) Latam, certamen que desde 2011 premia a los mejores fotoperiodistas de Latinoamérica. Este año incluyó a España y Portugal. Se trata de la versión regional del POYi, premio internacional de fotografía fundado en 1944 por la Universidad de Missouri-Columbia y que en febrero también reconoció a Munita con un segundo lugar, por su trayectoria. No sólo eso: días antes recibió el tercer lugar en la World Press Photo, por su registro del conflicto civil en Siria.
Ahora, en el Poy Latam, el chileno, corresponsal de The New York Times y colaborador de El Semanal de La Tercera, se impuso como mejor fotógrafo (el premio es de US$ 1.500), además de destacar en otras cuatro categorías. Recibió el primer lugar en Noticias, por su serie en Siria; el segundo puesto en la sección titulada Vivir con las Drogas, por su registro de las maras (pandillas) en El Salvador, y menciones honrosas en Vida Cotidiana, por su reportaje de la Cuba actual.
“Lo más destacable es la consistencia de su trabajo. Puede estar en lugares muy opuestos, pero la mirada de Munita siempre es potente y muy cercana al objetivo. No sabemos cómo logra tal proximidad, además el color de sus imágenes es muy atractivo”, dice el chileno Luis Weinstein, quien fue jurado del premio junto a otros fotógrafos de España, Francia, Brasil, EE.UU. y Colombia.
El premio se falló en la U. de Ceará, en Fortaleza, Brasil, donde el jurado discutió por una semana en torno a las cerca de 30 mil fotografías que participaron. Todo el proceso se emitió en vivo, vía streaming, a través del sitio web Nuestra Mirada, la red iberoamericana de fotoperiodistas que organiza el evento. “El jurado no sabía de antemano el autor de las fotos y el debate fue visto por 14 mil personas”, dice Weinstein.
Entre las 17 categorías del concurso destacaron también otros chilenos: Orlando Barría recibió el primer lugar en Retrato, por su serie de mujeres quemadas con ácido en República Dominicana; Juan González tuvo una mención en Deportes, por su registro de las luchas de Cholitas en Bolivia; el tercer lugar en Vivir con las Drogas fue para Alejandro Olivares, por su retrato marginal de Puente Alto, en Santiago, y Ramón Acevedo, quien recibió una mención, por su viaje a pueblos olvidados de la V Región en Chile.
Entre los extranjeros está el mexicano Edson Caballero, primer lugar en Vida Cotidiana, por su mirada del sistema de buses públicos en Cuauhtémoc; el argentino Valerio Bispuri, ganador de Vivir con las Drogas por su investigación sobre el paco, desecho de la pasta base, y el colombiano Joaquín Sarmiento, premiado en Fiestas y Tradiciones, por su serie de las corridas de toros en Colombia.
Fuente: http://www.latercera.com/noticia/cultura/2013/04/1453-519143-9-tomas-munita-es-elegido-fotografo-del-ano-en-certamen-iberoamericano.shtml
Tag :
Fotografía,
Noticias culturales,
El Museo Thyssen muestra 50 obras del movimiento hiperrealista desde 1967 hasta hoy.
A finales de los años 1960 surgió en Estados Unidos un grupo de artistas que pintaban con gran
realismo objetos y escenas de la vida cotidiana utilizando la fotografía como base para la realización de
sus obras. La consagración del movimiento tuvo lugar en la Documenta de Kassel en 1972. La
exposición que presenta ahora el Museo Thyssen‐Bornemisza plantea, por primera vez, una antología
del Hiperrealismo desde los grandes maestros norteamericanos de la primera generación, como
Richard Estes, John Baeder, Tom Blackwell, Don Eddy, Ralph Goings o Chuck Close, a su continuidad en
Europa y al impacto en pintores de generaciones posteriores, hasta la actualidad. El Hiperrealismo no
es un movimiento cerrado; hoy, más de cuarenta años después de su aparición, continúan en activo
muchos de los pioneros del grupo y nuevos artistas utilizan la técnica fotorrealista en sus creaciones.
Herramientas ymotivos han evolucionado o cambiado con eltiempo pero, con su increíble definición y
nitidez, las obras hiperrealistas continúan fascinando al público.
A finales de los años 1960 surgió en Estados Unidos un grupo de artistas que pintaban con gran
realismo objetos y escenas de la vida cotidiana utilizando la fotografía como base para la realización de
sus obras. La consagración del movimiento tuvo lugar en la Documenta de Kassel en 1972. La
exposición que presenta ahora el Museo Thyssen‐Bornemisza plantea, por primera vez, una antología
del Hiperrealismo desde los grandes maestros norteamericanos de la primera generación, como
Richard Estes, John Baeder, Tom Blackwell, Don Eddy, Ralph Goings o Chuck Close, a su continuidad en
Europa y al impacto en pintores de generaciones posteriores, hasta la actualidad. El Hiperrealismo no
es un movimiento cerrado; hoy, más de cuarenta años después de su aparición, continúan en activo
muchos de los pioneros del grupo y nuevos artistas utilizan la técnica fotorrealista en sus creaciones.
Herramientas ymotivos han evolucionado o cambiado con eltiempo pero, con su increíble definición y
nitidez, las obras hiperrealistas continúan fascinando al público
realismo objetos y escenas de la vida cotidiana utilizando la fotografía como base para la realización de
sus obras. La consagración del movimiento tuvo lugar en la Documenta de Kassel en 1972. La
exposición que presenta ahora el Museo Thyssen‐Bornemisza plantea, por primera vez, una antología
del Hiperrealismo desde los grandes maestros norteamericanos de la primera generación, como
Richard Estes, John Baeder, Tom Blackwell, Don Eddy, Ralph Goings o Chuck Close, a su continuidad en
Europa y al impacto en pintores de generaciones posteriores, hasta la actualidad. El Hiperrealismo no
es un movimiento cerrado; hoy, más de cuarenta años después de su aparición, continúan en activo
muchos de los pioneros del grupo y nuevos artistas utilizan la técnica fotorrealista en sus creaciones.
Herramientas ymotivos han evolucionado o cambiado con eltiempo pero, con su increíble definición y
nitidez, las obras hiperrealistas continúan fascinando al público
Paisajes urbanos, escaparates, restaurantes de comida rápida, últimos modelos de coches, relucientes motocicletas, máquinas de pinball, juguetes de hojalata, botes de kétchup,…fragmentos de la vida cotidiana, escenas banales y artículos de consumo convertidos en motivo artístico. Los principales asuntos que ocupan el interés de los pintores hiperrealistas están tomados del mundo que lesrodea, de su
propio entorno personal, dando visibilidad a lo cotidiano a través de su pintura.
Motivosintrascendentes que captan primero a través de la fotografía y que despuéstrasladan al lienzo
mediante un laborioso proceso, utilizando diversos recursos técnicos, como la proyección de
diapositivas o el sistema de trama. Son obras generalmente de gran formato, pintadas con tal
precisión y exactitud que los propios lienzos producen una impresión de calidad fotográfica, pero
realizadas mediante un proceso creativo completamente opuesto a la inmediatez de la instantánea
fotográfica.
Considerada como una forma objetiva de documentar el mundo, desde su invención, el uso de la
fotografía como punto de partida de la pintura fue una práctica habitual de muchos pintores, aunque
pocos lo reconocían. Tras la utilización pionera de la serigrafía por los artistas pop, como Warhol o
Rauschenberg, fueron los primeros hiperrealistas los que empezaron a usar la fotografía sin reparos,
convirtiéndola así en un instrumento “legítimo”. Partían a veces de fotos de revistas o periódicos pero
pronto empezaron a captar ellos mismos las imágenes, una o varias que luego fusionaban en el
cuadro. Las escenas tridimensionales se transforman en bidimensionales y quedan privadas de
cualquier emoción; son instantes de realidad congelados en el tiempo y a menudo también sin la
presencia de seres humanos. Lesfascinan lassuperficies metálicas de cristales y espejos que permiten
recrearse en lasimágenes deformadas de susreflejos.
La fotografía como punto de partida y como aparente resultado final, pero no como objetivo; en ningún caso el pintor hiperrealista aspira a competir con ella, su motivación es completamente diferente. Sus obras parecen reproducirla realidad pero, de hecho,se trata de una nueva realidad gráfica creada por el pintor. A través de ella empezaron a plantearse determinados problemas en torno a la percepción de la realidad:se interrogan por cuestiones con la objetividad y la autenticidad de las imágenes, o sobre cómo la fotografía ha cambiado la forma de ver y de relacionarse con elmundo.
Los pioneros delHiperrealismo reflexionan sobre todo ello y lo convierten en eltema de sus cuadros, y
lo hacen trabajando de forma más o menos aislada. A comienzos de los años 1960, en la Costa Oeste
norteamericana, Robert Bechtle empieza a producir los primeros cuadros auténticamente
fotorrealistas; casi al mismo tiempo, Richard Estes comienza en Nueva York a trabajar en sus
característicos escaparates y paisajes urbanos, Chuck Close pinta susfamososretratos y, la únicamujer
de este grupo de pioneros, Audrey Flack,realiza sus primerostrabajos basados en fotografías.
Fragmentos ampliados de la realidad, de objetos, personas o lugares
Esta primera generación de hiperrealistas es casi exclusivamente norteamericana; trabajan unos en la
Costa Este, básicamente en Nueva York, o en la costa de California. Con algunas particularidades,sus
temas muestran el estilo de vida americano, “the american way of life”, imágenes de la vida cotidiana,
artículos de consumo y vehículosson lostemasmásrepresentativos.
Automóviles, motocicletas, camiones, auto‐caravanas…, los vehículos significan movilidad, libertad y, por tanto, son una parte muy representativa de la sociedad estadounidense y de cómo se ve a sí misma. Además, los materiales utilizados en carrocerías, llantas o parachoques y los reflejos que se producen al recibir la luz les resultan fascinantes. David Parrish resalta sus relucientessuperficies que reflejan losrayos delsol; para Tom Blackwell la motocicleta es un objeto de culto y pinta detalles y fragmentos concretos muy ampliados; Ron Kleemann traslada su interés a los grandes vehículos agrícolas y camiones; Don Eddy se interesa durante un tiempo por el legendario Escarabajo, centrándose en representar la superficie reflectante de su carrocería; Ralph Goings pinta furgonetas y auto‐caravanas, además de sus famosos restaurantes de comida rápida;Jonh Saltse concentra en desguaces de coches….
El juego de la luz incidiendo sobre las superficies pulidas protagoniza también otro de sus temas predilectos, el bodegón. Objetos cotidianos sin mayor relevancia, como juguetes y máquinas expendedoras (Charles Bell),grupos de alimentos (Ben Schonzeit), artículos de consumo y
objetos personales(Audrey Flack).
Reflejos también en fragmentos de la vida moderna en la ciudad: Robert Cottingham se interesa por los anuncios comerciales y los rótulos luminosos; Richad Estes por los reflejos en escaparates, cabinas telefónicas y automóviles; John Baeder pinta el exterior de restaurantes de comida rápida, mientras que Ralph Goings prefiere las imágenes de su interior. También el mundo rural de Estados Unidos está representado en la obra de algunos hiperrealistas, principalmente los que trabajan en la Costa Oeste; como Richard McLean, que pinta a los cowboys y cowgirls modernos; Jack Mendenhall que se interesa por el ambiente de los hogares estadounidenses de los sesenta; o Robert Bechtle centrado en plasmar
instantáneas del día a día de la clasemedia estadounidense.
Y de la vida cotidiana al retrato, siempre de personas próximas al círculo del artista y autorretratos.
Chuck Close essu mayorrepresentante,se retrata a sí mismo y a amigos a tamaño superior al natural,
utilizando un sistema de retícula; son rostros que miran al espectador sin ningún tipo de emoción ni
movimiento. También al suizo Franz Gertsch, que trabaja aislado de sus colegas norteamericanos, le
atrajo el género del retrato. Junto al británico John Salt, son los únicos hiperrealistas de la primera
generación no estadounidenses, aunque Saltse traslada en los años 1960 a Nueva York. Porsu origen
y por la elección de motivos ambos contribuyeron a la internacionalización del movimiento,
característica que marcará el desarrollo de la segunda generación de pintores hiperrealistas, junto a la
introducción de algunasinnovacionestecnológicas y compositivas.
De lo personal al anonimato, paisajes urbanos de gran formato
Atraídos igualmente por plasmar la realidad cotidiana, los artistas de la segunda generación hiperrealista, que trabaja en los años 1980 y 1990, muestran un mayorinterés portrasladar al lienzo las fotografías con el máximo rigor en los detalles, incorporando a su trabajo las enormes posibilidades que les brindan las nuevas tecnologías digitales y fotográficas. Se alejan de lo pequeño y se centran en paisajes urbanos de
grandes dimensiones, uno de sus temas preferidos y para el que utilizan con frecuencia el formato panorámico. El italiano Anthony Brunelli fotografía los modelos con un objetivo gran angular, uniendo después varias imágenes en el lienzo; pinta así vistas urbanas de los diversos países en los que trabaja. Robert Gnieweck se siente atraído por los paisajes urbanos principalmente al atardecer o de noche, le fascinan los espectáculos de luz nocturnos; Davis Cone lo hace con lassalas de cine, dentro y fuera de la ciudad; y el francés Bertrand Meniel, a pesar de su origen,se interesa de nuevo porlas grandes ciudades estadounidenses.
Los avances tecnológicos se notan en el resultado final de las obras, con una apariencia de mayor
nitidez y detallismo. La escasa presencia de la figura humana, característica por otro lado bastante
frecuente en el Hiperrealismo, aumenta la impresión de frialdad y distanciamiento. Rod Penner utiliza
cámaras digitales de alta resolución y Don Jacot pinta plazas y lugares urbanosfamosos porser muy concurridos, pero él los representa sin apenas presencia alguna de la figura humana.
Absoluta nitidez, mayor precisión que la del ojo humano Los artistas actuales, la tercera generación de hiperrealistas, trabajan con las cámaras digitales más modernas y consiguen llevar la pintura realista a otra dimensión, creando experiencias visuales completamente nuevas. Las imágenes digitales aportan más información que las reveladas a partir de un negativo; en particular, la nitidez de los contornos y la alta definición convierten Anthony Brunelli. El Arno al atardecer, 2007.
Roberto Bernardi se centra enbodegones, Raphaella Spence toma fotografías desde helicópteros o rascacielos, Peter Maier seinteresa fundamentalmente por la representación de superficies y Ben Johnson por las arquitecturas,realizando después numerosos dibujos con la ayuda del ordenador. La ciudad y sus habitantessiguen
centrando la atención de artistas, como el norteamericano RobertNeffson o el británico CliveHead.
FICHADE LA EXPOSICIÓN
Título:Hiperrealismo 1967‐2012
Organiza: The Institutfür Kulturaustausch (Instituto para el Intercambio Cultural de Alemania).
Sedes y fechas:Tubinga, Kunsthalle, del 8 de diciembre de 2012 al 10 de marzo de 2013; Madrid, Museo
Thyssen‐Bornemisza, del 22 de marzo al 9 de junio de 2013; Birmingham Museum & Art Gallery, del 30 de noviembre de 2013 al 30 demarzo de 2014.
Comisario:Otto Letze, director del Institutfür Kulturaustausch.
Coordinación: BlancaUría, Área de Conservación del Museo Thyssen‐Bornemisza.
Número de obras: 50
Publicaciones: catálogo, ediciones en español e inglés
INFORMACIÓNPARA ELVISITANTE
Dirección:Museo Thyssen‐Bornemisza. Paseo del Prado 8. 28014, Madrid.
Horario: de martes a domingo, de 10.00 a 19.00 horas. Sábados, de 10.00 a 21.00 horas. Último pase una
hora antes del cierre.
Tarifas:
Exposición temporal:
‐ Entrada general: 8 €
‐ Entrada reducida: 5,50 € para mayores de 65 años, pensionistas, estudiantes previa acreditación y
familias numerosas.
‐ Entrada gratuita: Menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo.
Exposición temporal + Colección Permanente:
‐ Entrada general: 12 €
‐ Entrada reducida: 7,5 €
‐ Entrada gratuita:menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo.
Venta anticipada de entradas en taquillas, en la web del Museo y en el 902 760 511.
Másinformación:www.museothyssen.org
Audio‐guía, disponible en variosidiomas.
INFORMACIÓNPARA PRENSA
http://www.museothyssen.org/microsites/prensa/2013/hiperrealismo/index.html
propio entorno personal, dando visibilidad a lo cotidiano a través de su pintura.
Motivosintrascendentes que captan primero a través de la fotografía y que despuéstrasladan al lienzo
mediante un laborioso proceso, utilizando diversos recursos técnicos, como la proyección de
diapositivas o el sistema de trama. Son obras generalmente de gran formato, pintadas con tal
precisión y exactitud que los propios lienzos producen una impresión de calidad fotográfica, pero
realizadas mediante un proceso creativo completamente opuesto a la inmediatez de la instantánea
fotográfica.
Considerada como una forma objetiva de documentar el mundo, desde su invención, el uso de la
fotografía como punto de partida de la pintura fue una práctica habitual de muchos pintores, aunque
pocos lo reconocían. Tras la utilización pionera de la serigrafía por los artistas pop, como Warhol o
Rauschenberg, fueron los primeros hiperrealistas los que empezaron a usar la fotografía sin reparos,
convirtiéndola así en un instrumento “legítimo”. Partían a veces de fotos de revistas o periódicos pero
pronto empezaron a captar ellos mismos las imágenes, una o varias que luego fusionaban en el
cuadro. Las escenas tridimensionales se transforman en bidimensionales y quedan privadas de
cualquier emoción; son instantes de realidad congelados en el tiempo y a menudo también sin la
presencia de seres humanos. Lesfascinan lassuperficies metálicas de cristales y espejos que permiten
recrearse en lasimágenes deformadas de susreflejos.
La fotografía como punto de partida y como aparente resultado final, pero no como objetivo; en ningún caso el pintor hiperrealista aspira a competir con ella, su motivación es completamente diferente. Sus obras parecen reproducirla realidad pero, de hecho,se trata de una nueva realidad gráfica creada por el pintor. A través de ella empezaron a plantearse determinados problemas en torno a la percepción de la realidad:se interrogan por cuestiones con la objetividad y la autenticidad de las imágenes, o sobre cómo la fotografía ha cambiado la forma de ver y de relacionarse con elmundo.
Los pioneros delHiperrealismo reflexionan sobre todo ello y lo convierten en eltema de sus cuadros, y
lo hacen trabajando de forma más o menos aislada. A comienzos de los años 1960, en la Costa Oeste
norteamericana, Robert Bechtle empieza a producir los primeros cuadros auténticamente
fotorrealistas; casi al mismo tiempo, Richard Estes comienza en Nueva York a trabajar en sus
característicos escaparates y paisajes urbanos, Chuck Close pinta susfamososretratos y, la únicamujer
de este grupo de pioneros, Audrey Flack,realiza sus primerostrabajos basados en fotografías.
Fragmentos ampliados de la realidad, de objetos, personas o lugares
Esta primera generación de hiperrealistas es casi exclusivamente norteamericana; trabajan unos en la
Costa Este, básicamente en Nueva York, o en la costa de California. Con algunas particularidades,sus
temas muestran el estilo de vida americano, “the american way of life”, imágenes de la vida cotidiana,
artículos de consumo y vehículosson lostemasmásrepresentativos.
Automóviles, motocicletas, camiones, auto‐caravanas…, los vehículos significan movilidad, libertad y, por tanto, son una parte muy representativa de la sociedad estadounidense y de cómo se ve a sí misma. Además, los materiales utilizados en carrocerías, llantas o parachoques y los reflejos que se producen al recibir la luz les resultan fascinantes. David Parrish resalta sus relucientessuperficies que reflejan losrayos delsol; para Tom Blackwell la motocicleta es un objeto de culto y pinta detalles y fragmentos concretos muy ampliados; Ron Kleemann traslada su interés a los grandes vehículos agrícolas y camiones; Don Eddy se interesa durante un tiempo por el legendario Escarabajo, centrándose en representar la superficie reflectante de su carrocería; Ralph Goings pinta furgonetas y auto‐caravanas, además de sus famosos restaurantes de comida rápida;Jonh Saltse concentra en desguaces de coches….
El juego de la luz incidiendo sobre las superficies pulidas protagoniza también otro de sus temas predilectos, el bodegón. Objetos cotidianos sin mayor relevancia, como juguetes y máquinas expendedoras (Charles Bell),grupos de alimentos (Ben Schonzeit), artículos de consumo y
objetos personales(Audrey Flack).
Reflejos también en fragmentos de la vida moderna en la ciudad: Robert Cottingham se interesa por los anuncios comerciales y los rótulos luminosos; Richad Estes por los reflejos en escaparates, cabinas telefónicas y automóviles; John Baeder pinta el exterior de restaurantes de comida rápida, mientras que Ralph Goings prefiere las imágenes de su interior. También el mundo rural de Estados Unidos está representado en la obra de algunos hiperrealistas, principalmente los que trabajan en la Costa Oeste; como Richard McLean, que pinta a los cowboys y cowgirls modernos; Jack Mendenhall que se interesa por el ambiente de los hogares estadounidenses de los sesenta; o Robert Bechtle centrado en plasmar
instantáneas del día a día de la clasemedia estadounidense.
Y de la vida cotidiana al retrato, siempre de personas próximas al círculo del artista y autorretratos.
Chuck Close essu mayorrepresentante,se retrata a sí mismo y a amigos a tamaño superior al natural,
utilizando un sistema de retícula; son rostros que miran al espectador sin ningún tipo de emoción ni
movimiento. También al suizo Franz Gertsch, que trabaja aislado de sus colegas norteamericanos, le
atrajo el género del retrato. Junto al británico John Salt, son los únicos hiperrealistas de la primera
generación no estadounidenses, aunque Saltse traslada en los años 1960 a Nueva York. Porsu origen
y por la elección de motivos ambos contribuyeron a la internacionalización del movimiento,
característica que marcará el desarrollo de la segunda generación de pintores hiperrealistas, junto a la
introducción de algunasinnovacionestecnológicas y compositivas.
De lo personal al anonimato, paisajes urbanos de gran formato
Atraídos igualmente por plasmar la realidad cotidiana, los artistas de la segunda generación hiperrealista, que trabaja en los años 1980 y 1990, muestran un mayorinterés portrasladar al lienzo las fotografías con el máximo rigor en los detalles, incorporando a su trabajo las enormes posibilidades que les brindan las nuevas tecnologías digitales y fotográficas. Se alejan de lo pequeño y se centran en paisajes urbanos de
grandes dimensiones, uno de sus temas preferidos y para el que utilizan con frecuencia el formato panorámico. El italiano Anthony Brunelli fotografía los modelos con un objetivo gran angular, uniendo después varias imágenes en el lienzo; pinta así vistas urbanas de los diversos países en los que trabaja. Robert Gnieweck se siente atraído por los paisajes urbanos principalmente al atardecer o de noche, le fascinan los espectáculos de luz nocturnos; Davis Cone lo hace con lassalas de cine, dentro y fuera de la ciudad; y el francés Bertrand Meniel, a pesar de su origen,se interesa de nuevo porlas grandes ciudades estadounidenses.
Los avances tecnológicos se notan en el resultado final de las obras, con una apariencia de mayor
nitidez y detallismo. La escasa presencia de la figura humana, característica por otro lado bastante
frecuente en el Hiperrealismo, aumenta la impresión de frialdad y distanciamiento. Rod Penner utiliza
cámaras digitales de alta resolución y Don Jacot pinta plazas y lugares urbanosfamosos porser muy concurridos, pero él los representa sin apenas presencia alguna de la figura humana.
Absoluta nitidez, mayor precisión que la del ojo humano Los artistas actuales, la tercera generación de hiperrealistas, trabajan con las cámaras digitales más modernas y consiguen llevar la pintura realista a otra dimensión, creando experiencias visuales completamente nuevas. Las imágenes digitales aportan más información que las reveladas a partir de un negativo; en particular, la nitidez de los contornos y la alta definición convierten Anthony Brunelli. El Arno al atardecer, 2007.
Roberto Bernardi se centra enbodegones, Raphaella Spence toma fotografías desde helicópteros o rascacielos, Peter Maier seinteresa fundamentalmente por la representación de superficies y Ben Johnson por las arquitecturas,realizando después numerosos dibujos con la ayuda del ordenador. La ciudad y sus habitantessiguen
centrando la atención de artistas, como el norteamericano RobertNeffson o el británico CliveHead.
FICHADE LA EXPOSICIÓN
Título:Hiperrealismo 1967‐2012
Organiza: The Institutfür Kulturaustausch (Instituto para el Intercambio Cultural de Alemania).
Sedes y fechas:Tubinga, Kunsthalle, del 8 de diciembre de 2012 al 10 de marzo de 2013; Madrid, Museo
Thyssen‐Bornemisza, del 22 de marzo al 9 de junio de 2013; Birmingham Museum & Art Gallery, del 30 de noviembre de 2013 al 30 demarzo de 2014.
Comisario:Otto Letze, director del Institutfür Kulturaustausch.
Coordinación: BlancaUría, Área de Conservación del Museo Thyssen‐Bornemisza.
Número de obras: 50
Publicaciones: catálogo, ediciones en español e inglés
INFORMACIÓNPARA ELVISITANTE
Dirección:Museo Thyssen‐Bornemisza. Paseo del Prado 8. 28014, Madrid.
Horario: de martes a domingo, de 10.00 a 19.00 horas. Sábados, de 10.00 a 21.00 horas. Último pase una
hora antes del cierre.
Tarifas:
Exposición temporal:
‐ Entrada general: 8 €
‐ Entrada reducida: 5,50 € para mayores de 65 años, pensionistas, estudiantes previa acreditación y
familias numerosas.
‐ Entrada gratuita: Menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo.
Exposición temporal + Colección Permanente:
‐ Entrada general: 12 €
‐ Entrada reducida: 7,5 €
‐ Entrada gratuita:menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo.
Venta anticipada de entradas en taquillas, en la web del Museo y en el 902 760 511.
Másinformación:www.museothyssen.org
Audio‐guía, disponible en variosidiomas.
INFORMACIÓNPARA PRENSA
http://www.museothyssen.org/microsites/prensa/2013/hiperrealismo/index.html
En París, desapareció misteriosamente el archivo del fotógrafo Daniel Mordzinski
Daniel Mordzinski, nació en Buenos Aires en 1960. Conocido como “el fotógrafo de los escritores”, trabaja desde hace más de treinta años en un ambicioso ''atlas humano'' de la literatura iberoamericana. Es, además, corresponsal gráfico del diario El País de España.
El fotógrafo argentino afincado en París ha retratado a los protagonistas más destacados de las letras hispanas. Mordzinski se ha convertido en el mejor cómplice de tres generaciones de creadores. Las dos orillas del Atlántico están unidas para siempre en su mirada.
Durante más de diez años, Daniel Mordzinski utilizó –en virtud de la alianza entre los diarios El País (España) y Le Monde (Francia) un despacho en el séptimo piso de la redacción parisina del vespertino, donde guardaba miles de negativos y diapositivas originales. Hace unos días desaparecieron.
Miguel Mora, corresponsal del País en Francia, llegó el 7 de marzo último a ese despacho y se encontró con que lo habían vaciado totalmente sin ningún aviso previo.
Mordzinski y Mora buscaron y encontraron en un sótano el gran archivador –uno que Mordzinski mismo había pintado de hace 10 años. Nadie sabe por qué decidieron hacer "desaparecer" el trabajo del fotógrafo trabajo de toda su vida.
Se trata de miles miles de fotografías tomadas a lo largo de 27 años.
"Más allá de la injusticia y del absurdo, me encuentro con la gran paradoja de que Le Monde brinda sus mejores titulares –y estoy seguro de que con los más sinceros sentimientos– para defender la libertad de expresión en Asia, el respeto por las tradiciones cuando hay una guerra o una catástrofe en exóticos lugares como Afganistán, Bosnia o Mali, pero miles de fotografías, centenares de dossiers con la leyenda 'Cortázar', 'Israel', Escritores latinoamericanos', 'Semana Negra de Gijón', 'Carrefour de littératures', 'Saint Malo', 'Mercedes Sosa', 'Astor Piazzola', etc, no les dicen nada y tiran todo a la basura sin consultar nada a nadie.", explica el fotógrafo.
Fuente: http://www.infobae.com/notas/701564-En-Paris-desaparecio-misteriosamente-el-archivo-del-fotografo-Daniel-Mordzinski.html
