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Una de las obras de Ai Weiwei expuestas en Sevilla se rompe por un 'accidente'

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ARTE | 'El fantasma Gu bajando de la montaña' (2005)

Una de las obras de Ai Weiwei expuestas en Sevilla se rompe por un 'accidente'

La obra que se exhibe en el refectorio cartujo. | CAAC
La obra que se exhibe en el refectorio cartujo. | CAAC
  • Uno de los 96 jarrones de porcelana que conforman la obra se ha roto
  • Una visitante de edad avanzada tropezó con la pieza, instalada en el suelo
  • La sala donde está expuesta la obra dañada está cerrada al público
  • La Junta afirma que el seguro correrá con los gastos de la reparación
  • La obra es propiedad de una fundación danesa que la cedió para la muestra
"Ha sido un accidente. Lo que nunca pasa, ha pasado", explican fuentes del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, que exhibe una exposición retrospectiva del artista chino Ai Weiwei, que desde este jueves está incompleta por culpa de este "accidente".
Uno de los 96 jarrones de porcelana que conformaban la instalación que lleva por nombre Ghost Gu Coming Down the Mountain se rompió al tropezar con ella una visitante de edad avanzada y hacerla rodar por el suelo, según adelantaba este viernes El Correo de Andalucía.
La instalación se encuentra en el suelo de uno de los salones del antiguo monasterio cartujo de Santa María de las Cuevas, hoy sede del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. "Han pasado 500.000 niños por ahí y no ha pasado nada", señalan las fuentes consultadas. Esta señora, una señora mayor, se tropezó, tuvo un mareo, con tan mala suerte que se rompió una de las piezas.
Según ha informado este viernes el consejero de Cultura de la Junta de Andalucía, Luciano Alonso, el seguro asumirá el coste de la reparación del jarrón: "Un visitante ha cometido una torpeza y para eso están los seguros con los que cuentan todas las exposiciones", ha matizado.
La instalación ocupa un espacio central de la exposición, por el significado especial que la cerámica tiene en este espacio escénico, que en tiempos fue fábrica de loza. En los muros del lugar donde se expone, el refectorio del monasterio, donde los monjes comían en absoluto silencio, aparecen restos del azulejo original, que parece entablar curiosas conversaciones con las porcelanas pintadas de Ai Weiwei.
La obra la realizó Ai Weiwei en 2005 y es propiedad de la Faurschou Foundation de Copenhague, que la ha cedido para la exposición en Sevilla. El director del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, José Antonio Álvarez Reyes, y los responsables de la muestra mantienen esta mañana una reunión, tras ponerse en contacto con la fundación danesa, y durante la mañana harán una comunicación oficial respecto al incidente.
La sala donde se encuentra la instalación permanece cerrada al públicodesde que se produjo el accidente, oficialmente por "motivos técnicos". La instalación Ghost Gu Coming Down the Mountain se ha expuesto en diversos museos europeos. El fantasma Gu bajando la montaña está integrado por 96 vasijas de porcelana roja y blanca que representan varios fragmentos de una imagen del periodo Yuan (1269-1368), que sólo se contempla en su totalidad cuando el espectador pasea a su alrededor.
La exposición de Ai Weiwei en el Centro de Arte Contemporáneo ha costado 45.000 euros.
Fuente: http://www.elmundo.es/elmundo/2013/04/12/andalucia_sevilla/1365758273.html

Poema de Paz inspira un atisbo a la esencia femenina

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Fabiola Palapa Quijas
 
Periódico La Jornada
Viernes 12 de abril de 2013, p. 8
El poema Piedra de sol, de Octavio Paz, inspiró la coreografía que el grupo Germinal Cuerpo Escénico presenta en el salón de la danza del Centro Cultural Universitario (CCU).
La agrupación –fundada hace tres años por Iliana Rodríguez y Jonathan Maldonado– ofreció ayer la primera de dos funciones de Sol de piedra, obra que plantea una mirada a la esencia femenina.
En esa obra Iliana Rodríguez busca reflejar el ciclo de vida y muerte de la mujer, pues está convencida de que a cada instante hay pensamientos que mueren para liberar nuevas ideas.
El poema de Octavio Paz me inspiró porque encontré un ritmo cíclico y las imágenes en torno a la mujer empezaron a surgir. Más que describir la sicología femenina habla de su interior, explica en entrevista.
De acuerdo con Rodríguez, la obra explora la sique femenina desde esos aspectos que son violentados en el proceso de culturización de las mujeres. “En Sol de piedra la danza es un ritual donde aflora lo positivo y lo negativo; el aspecto femenino y masculino de la mujer otorgando al alma el poder de la expresión”.
En la obra se utiliza el fragmento dePiedra de sol: Caigo sin fin desde mi nacimientos, caigo en mí misma sin tocar mi fondo, en el que la coreógrafa enfatiza cómo la mujer se sumerge en un viaje interminable de autoconocimiento.
Sol de piedra aborda ciertos momentos en que las mujeres se han sometido a las presiones de la sociedad; es una meditación sobre la salvación de la mujer en el exilio, pero a costa de su creatividad.
La pieza también está basada en otra propuesta literaria que enriquece el montaje. Se trata de Mujeres que corren con los lobos, de Clarissa Pinkola Estés. Este libro, traducido a más de una decena de idiomas, revela mitos interculturales, cuentos de hadas e historias. El relato Basalisa la sabia es el eje para la construcción de la obra.
Sol de piedra, con la compañía Germinal Cuerpo Escénico, presenta la segunda y última función hoy a las 19 horas en el salón de danza del CCU (Insurgentes Sur 3000).

Anuncian la primera edición del Festival & Encuentro de Arte & Activismo Lésbico

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Se realizará del 19 al 27 de abril en varios foros de la ciudad de México
La idea es construir complicidades creativas y compartir saberes y producciones, informan

Carlos Paul
 
Periódico La Jornada
Viernes 12 de abril de 2013, p. 6
Conferencias, mesas de reflexión, exposiciones, cine, talleres de escritura, encuadernación, antimuñecas, hip hop, teatro y de stencil, entre otras actividades, integran el programa del primer Festival & Encuentro de Arte & Activismo Lésbico.
El foro se desarrollará del 19 al 27 de abril, en distintos recintos de la ciudad de México, como el Museo de la Mujer, Tintico Galería Café y el Centro Cultural de España.
LesbianArte es una propuesta que combina el arte y el activismo: el ARTivismo, que retoma el arte como una herramienta para el cambio y la transformación social, que permite crear espacios y miradas nuevas, críticas y empancipadoras desde la memoria, la realidad y desde nuestros sueños, apuntó la socióloga y fotógrafa Ina Riaskov, quien junto con Rotmi Enciso, organiza el festival, por conducto de Producciones y Milagros Agrupación Feminista.
Persiste el machismo
En LesbianArte 2013 se reunirán activistas y artistas lesbianas y feministas de diferentes contextos culturales, sociales y geográficos, provenientes de Guatemala, así como chicanas de Estados Unidos; de Alemania y México, con la finalidad de construir complicidades creativas, compartir e intercambiar saberes y producciones.
Creemos profundamente que el ARTivismo, como lesbianas y feministas, nos permite abrir caminos para comunicar y articular nuestras luchas y cambiar nuestras vidas, comunidades y sociedades, explicó Riaskov.
El encuentro se centra en la comunidad lésbica, considerando que como parte de la comunidad LGBTTTIsí estamos integradas, pero a la vez un poco al margen; la idea es visibilizarnos desde una postura política y artística, desde nuestro lesbianismo y feminismo, abundó la fotógrafa.
Pensamos que hoy todavía existe la necesidad de posicionarnos como lesbianas feministas y esperamos que algún día eso no sea necesario. Uno de los grandes obstáculos es el machismo y la misoginia persistentes en nuestra sociedad, y como lesbianas nos enfrentamos a ese mismo machismo y sexismo, que también enfrentan todas las mujeres.
En el caso de nosotras, añade, se suma una lesbofobia, no sólo de la sociedad, sino también una lesbofobia personal e interna, que desde niñas, en las escuelas y familias, aprendemos.
Por ello, pensamos que con este tipo de encuentros podemos visibilizarnos y ofrecer nuevas críticas, miradas y propuestas a través del arte y que puedan llegar a un público más amplio. Los talleres son una actividad importante para ese propósito.
El festival comenzará el viernes 19 de abril, a las 19 horas, en la Tintico Galería Café, con un homenaje a la poeta y activista Tatiana de la Tierra y la apertura de una exposición colectiva, con obra de Margarita Sada, Favianna Rodríguez, Patricia Toledo, Maya González y Belem S. Recillas.
Entre las actividades figuran el estreno latinoamericano del documental Audre Lorde-The Berlin Years (1984-1992), realizado por Dagmar Schultz, con una introducción de Jasmin Eding. Se trata de una de las cintas más importantes para los movimientos feministas, antirracistas y lésbicos. Se proyectará el miércoles 24 de abril, a las 19 horas, en el Museo de la Mujer.
Asimismo, se presentará la obra de teatro Afuera: lesbianas en escena, de la Colectiva Siluetas, de Guatemala, agrupación que contó con la asesoría de Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe. Se escenificará el sábado 20 de abril, a las 19 horas, en el Centro Cultural España.
LesbianArte 2013 culminará actividades el 27 de abril, a las 15 horas, con una acción pública ARTivista frente al Palacio de Bellas Artes para cerrar con un concierto y fiesta con la rapera guatemalteca Rebeca Lane y la DJ Ali Gua Gua.
Más información sobre el programa en la página electrónicahttp://festiballesbianarte.tumlr.com/ o en Twitter: @prodymil.
Fuente: http://www.jornada.unam.mx/2013/04/12/cultura/a06n1cul

Por primera vez, becarios del Fonca participan en el encuentro de arte contemporáneo

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Muestran cinco piezas evolutivas y presentan el primer catálogo digital de una exposición
Mónica Rodríguez
 
Periódico La Jornada
Viernes 12 de abril de 2013, p. 5
Cinco acciones artísticas y la presentación del catálogo digitalCreación en movimiento: jóvenes creadores, generación 2010-2011constituyen la primera participación de los becarios del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca) en Zona Maco México Arte Contemporáneo, encuentro que llega a su décima edición y se desarrolla en el Centro Banamex.
La presencia de los jóvenes en esa feria de arte, explicó René Roquet, jefe del programa Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales, consiste en mostrar cinco piezas evolutivas que se desarrollarán, una por día –comenzaron el miércoles 10 y concluirán el 14 de abril– en el módulo SP2.
Estas acciones artísticas y su transformación son de Juan Manuel Escalante quien creó Jardín de la distopía, mientras Amor Muñoz presentaCampo lumínico, Luis Pedraza borrará los recuerdos de quienes así lo deseen mediante el proyecto de recibir imágenes, mostrarlas y desaparecerlas.
Este sábado, Renato Garza participará con Maladie y un día después Nuria Montiel con su Imprenta móvilinvitará al público a realizar grabados y a expresar lo que quieran, dijo Roquet.
Es como si los jóvenes abrieran sus talleres durante el proceso creativo y las piezas que estarán a la vista develarán cada uno de sus elementos a los asistentes a Maco.
Catálogo digital de una exposición
Los artistas de la generación 2010-2011 fueron 101 becarios que desarrollaron las especialidades en multimedia, arquitectura, escultura, medios alternativos y gráfica. De ese centenar se eligieron cinco obras.
El Fonca mostrará una parte de la producción de catálogos y libros que sus artistas editan, así como libros relacionados con las artes visuales que han sido resultado del programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales.
Por primera vez el Fonca editará un catálogo digital de la exposiciónCreación en movimiento, el cual, después de la feria, podrá descargarse de manera gratuita.
Otra actividad en el recinto de avenida Conscripto 311, Lomas de Sotelo, son los trabajos de los becarios de video y guión cinematográfico de la misma generación.
Para el Fonca es fundamental apoyar a los videastas en la construcción de la noción de que el video también es una obra coleccionable, puntualizó Roquet.

Estrenan versión contemporánea y experimental de El mayor monstruo del mundo

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El dramaturgo Pedro Calderón de la Barca ubicó la acción en tiempos del Imperio romano con personajes históricos, explica José Caballero, director del montaje
La puesta en escena busca atraer al público joven
La temporada en el teatro Juan Ruiz de Alarcón terminará el 30 de junio
En El mayor monstruo del mundo, el dramaturgo Pedro Calderón de la Barca explora los celos. Ahora, de esta obra se presenta una versión contemporánea que integra blues, jazz y rock.
Con dirección y adaptación de José Caballero, el montaje se estrenó anoche en el teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario (CCU).
Para entender la forma en cómo el autor español aborda los celos, en contraste y convergencias con Otelo, de William Shakespeare, Caballero explica: “Lo que hace Calderón de la Barca –a diferencia del dramaturgo inglés– es ubicar la acción en tiempos del Imperio romano, con personajes históricos”.
El protagonista celoso de El mayor monstruo del mundo es Herodes el Grande, tetrarca de Jerusalén, a quien se atribuye la matanza de los inocentes y el asesinato de una de sus esposas, en disputas por el poder, suceso este último que el dramaturgo español retoma para escribir su obra.
En esta historia, es la divina Mariene, esposa de Herodes, quien para él es la mujer más bella del mundo, por lo que él quiere ser el hombre más poderoso, para merecerla.
“Aquí se puede encontrar un nexo con Otelo, en el sentido de que éste siente la inseguridad de no estar a la altura de Desdémona. Herodes, en esta historia, para tener más poder, lo que hace es fingir estar de parte de Marco Antonio y Cleopatra, durante la disputa que éstos tienen con Octaviano por la supremacía en el imperio.
La idea de Herodes es que ellos se hagan pedazos y aquél tomar el trono de Roma y así poder merecer a su mujer.
La divina Mariene
La cuestión, prosigue José Caballero, es que Octaviano se da cuenta de sus intenciones y lo manda apresar. Herodes, entonces, ordena matar a su esposa Mariene, porque cree que una vez que le corten la cabeza por traición, Octaviano se va a quedar con su mujer y eso no lo puede soportar. Mientras, Octaviano encuentra en un cofre un retrato de la divina Mariene y se enamora de ésta. Sin embargo, ella es ejemplo de absoluta fidelidad (igual que Desdémona para con Otelo).
Calderón de la Barca, como filósofo, habla sobre los celos, su origen y poder destructor, señala el director.
El montaje de El mayor monstruo del mundo es una versión contemporánea de dos horas y media, para cuyos momentos musicales se optó por el blues, el jazz y el rock, de ahí que se trata de una puesta en escena muy contemporánea y experimental, que se propone atraer al público joven, manfiesta Caballero.
La funciones de El mayor monstruo del mundo, en el teatro Juan Ruiz de Alarcón del CCU (Insurgentes Sur 3000), que terminarán el 30 de junio, son jueves, viernes y sábados a las 19 horas, domingos a las 18 horas. Los domingos 9, 16, 23 y 30 de junio también habrá a las 12:30 horas.


Rita Moreno abre su corazón en libro de memorias

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ASSOCIATED PRESS

En su nuevo libro "Rita Moreno: A Memoir", Rita Moreno se abre al hablar no tanto de su carrera sino de sus esfuerzos para superar sus inseguridades.
Los admiradores deseosos de saber lo que fue para ella bailar para Gene Kelly en "Cantando bajo la lluvia", compartir en el estudio con Yul Brynner en "El rey y yo" o bailar la coreografía de Jerome Robbins en "Amor sin barreras" probablemente se decepcionen. Pero la vida de Moreno no fue definida por los papeles que interpretó.
La laureada cantante, bailarina y actriz puertorriqueña enfoca su historia en un viaje de autodescubrimiento, y es precisamente esa introspección lo que le da fuerza a su libro de memorias.
Su historia de éxito es el sueño americano. Su madre la trajo a los 5 años de Puerto Rico, entonces Rosita Dolores Alverio, en busca de una vida mejor tanto o más para ella que para su hija. Dejó a su marido (el primero de cinco) y su pequeño hijo en Juncos, un pueblo donde la pequeña Rosita conoció un lugar de sensual belleza y maravillas en medio de la selva tropical El Yunque.
Nueva York era otro tipo de selva, fría e indiferente al racismo público. Rosita no hablaba inglés cuando llegó, lo que la hacía sentir aún más como una afuereña, pero aprendió el idioma. Y aprendió a bailar.
Guiada por Paco Cansino, el profesor y tío de Rita Hayworth, Rosita comenzó a actuar a los 9 años y dejó la escuela al ver su carrera florecer. El nombre artístico de Rosita Moreno fue uno de dos legados de un padrastro al que menospreciaba. El otro fue una casa en los suburbios de Long Island, lejos de los guetos étnicos de la ciudad, en la que pudo ver un lado más suave de la vida americana.
El jefe de los estudios MGM Louis B. Mayer declaró a Moreno "una Elizabeth Taylor española" y la contrató. El primer astro del cine que conoció en Hollywood fue Clark Gable, quien le dijo: "Rosita. Buen nombre, niña". Pero un agente de casting no estuvo de acuerdo por considerarlo demasiado italiano y se lo cambió a Rita.
Los sabores agridulces de la etnicidad nunca se alejaron. Moreno tenía belleza y talento pero era encasillada en películas como una "fiera" o alguna chica exótica no blanca. Aun después que ganó un Oscar como mejor actriz de reparto por "Amor sin barreras" (1961) muchas puertas permanecieron cerradas. Pero mientras se acercaba a los 40, y tras cumplirlos, luchó por seguir trabajando pese al estigma de la edad y su etnia.
Moreno, ahora de 81, escribe que mientras por fuera mostraba una gran seguridad, por dentro la acechaban grandes dudas y temores.
Su relación con hombres dominantes, particularmente Marlon Brando, reflejaron su bajo nivel de autoestima. Terminó con Brando media docena de veces, volviendo a los brazos del notorio narcisista una y otra vez. Al borde de la desesperación por un aborto y un intento de suicidio - ambos derivados de su relación con Brando - logró juntar las fuerzas para empezar sus años de sanación psicológica.
Ese podría ser el mayor logro de Rita Moreno. Rodeada por un Oscar, un Emmy, un Tony y un Grammy - es una de las pocas que ha ganado los cuatro grandes honores del mundo del espectáculo - es una sobreviviente que venció a sus propios demonios así como a aquellos que otros le presentaron. Su libro celebra esa victoria y el espíritu tras ella.

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Argentino nominado a premio de libros traducidos

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THE ASSOCIATED PRESS

El escritor argentino Sergio Chejfec competirá directamente con la laureada Nobel de Literatura Herta Muller por un premio a la mejor obra literaria de ficción traducida al inglés.
La novela "Los planetas" de Chejfec, en inglés "The Planets", fue traducida del español por Heather Cleary. Philip Boehm tradujo "El ángel del hambre" ("The Hunger Angel") de Muller del alemán.
Three Percent, un centro para la literatura internacional con sede en la Universidad de Rochester en Nueva York, anunció el miércoles 10 trabajos de ficción y seis libros de poesía como finalistas. Los autores y traductores ganadores, cuyos nombres se revelarán en mayo, recibirán cada uno un premio de 5.000 dólares donado por Amazon.com.
Los finalistas en la sección de poesía incluyen "The Invention of Glass" de Emmanuel Hocquard, traducido del francés por Cole Swenson y Rod Smith.

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El grupo Zero y el arte latinoamericano

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ESPECIAL/EL NUEVO HERALD

El grupo Zero, fundado en Dusseldorf en 1957 por los artistas Heinz Mack, Otto Piene y Gunther Uecker, significó un cambio radical para el arte de la postguerra. Con el firme propósito de crear una nueva visión estética que procuraba recuperar la armonía entre el hombre y la naturaleza socavada por la segunda guerra mundial, el grupo rompió deliberadamente con la espontaneidad del neoexpresionismo dominante en la época –en especial, la vertiente del Art informel en boga en Francia.
Conocido también como The Zero Art Movement, el nombre del grupo se corresponde con el interés por hacer tábula rasa con lo creado hasta el momento para crear un “arte nuevo para una nueva era”. Con Lucio Fontana como su modelo, e Yves Klein, Piero Manzoni y Jean Tinguely como artistas colegas, Zero transgrede las fronteras de una estética purista al apropiarse de materiales y tecnologías propios de la ciencia y la industria que le permite al grupo explorar el espacio, la luz y el movimiento.
Zero contrapone a la subjetividad de lo gestual, la objetividad anónima; al pesimismo de la postguerra, una visión optimista basada en la estructura capaz de restablecer el orden quebrantado por la guerra y al materialismo creciente, la espiritualidad y la creatividad.
Conocido por su carácter colaborativo, The Zero Art Movement es concebido por sus fundadores como una suerte de fórum abierto a artistas de todos los confines interesados en una nueva forma artística inspirada por conceptos de universalidad. Pronto, el grupo deviene un movimiento internacional al que se adhieren figuras de Bélgica, Brasil, Alemania, Francia, Italia, Japón, Estados Unidos y Venezuela, entre otros.
Group Zero and Latin American Art (El grupo Zero y el arte latinoamericano) es el título de la muestra abierta al público en Arevalo Art Gallery en el Design District, la cual fue realizada en colaboración con The Mayor Gallery de Londres y explora, como su título lo indica, los vínculos e influencias del grupo Zero con el arte latinoamericano.
Fiel al interés de Zero, la exposición se centra en las dinámicas generadas a partir de la luz y el espacio. Estos componentes, que más tarde serán recogidos por la historiografía como arte óptico y cinético, explican esa estrecha relación del grupo con el arte latinoamericano del momento.
Group Zero and Latin American Art incluye obras de Gunther Uecker, Heinz Mack y Otto Piene, así como obras de Lucio Fontana. El artista argentino de ascendencia italiana, fundador del Movimiento Espacialista proclamaba la ruptura con la pintura clásica de caballete en pos de la integración de todos los elementos físicos: color, sonido, movimiento y espacio, siendo justo este precepto el punto de partida para el Grupo Zero.
En este sentido, Spirale, 2002, de Uecker, realizada con petróleo, cemento y pigmento sobre clavos y madera, e incluida en la muestra, deviene sintomática de los vínculos e influencias que explora la muestra.
La espiral en tanto estructura orgánica, es uno de los elementos recurrentes en la obra de Uecker. Desde la temprana fecha de 1957, el artista comienza sus estructuras de relieve hechas con clavos martillados sobre el lienzo. Estos relieves de Uecker funcionan como extensión de la negativa a la pintura tradicional planteada por Fontana al tiempo que le permiten la exploración con luces y sombras. Si bien desde 1958 el artista trabaja la estructura circular, es en 1960 que incorpora el elemento rotativo que impregna de cinetismo su obra. La fuerza centrífuga dominante en esta serie de trabajos es fundamental.
Jbatet@hotmail.com
 
Fuent
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HOMENAJE DE APOGEO A LA SOPRANO MARÍA REMOLÁ

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ESPECIAL/EL NUEVO HERALD

La soprano de coloratura española María Remolá, que triunfó en Cuba a mediados de los años 1950, y ahora reside en República Dominicana, fue objeto de un homenaje de la Fundación APOGEO para el Arte Público y del Miami Hispanic Cultural Art Center (Centro Cultural Hispano de las Artes de Miami), MHCAC, donde se celebró la función.
Se unieron allí Pedro Pablo Peña, director general del Centro, que le está abriendo las puertas a toda meritoria actividad artística, y Baltasar Santiago Martín, que dirige APOGEO, con sus actividades multimedia, de videos, entrevistas y
conciertos.
En este caso, el homenaje a Remolá incluyó una entrevista, videos sobre su vida, grabaciones de su voz y un concierto posterior de artistas del canto lírico de Miami, Puerto Rico y República Dominicana. Todo ello culminó con la participación de la exitosa soprano cubana María Aleida, también de coloratura, quien acompañó de gira recientemente al tenor Andrea Bocelli. Con el acompañamiento del vasco Roberto Berrocal al piano, interpretó El ruiseñor de la película The Swedish Nightingale, y O Luce di quest’ anima, de la ópera Linda di Chamounix, de Donizetti.
Aunque hubo varias sorpresas y entre ellas, la de la presencia de última hora de un joven desconocido en esta ciudad, el argentino Angel Rodrigo Olmedo, quien no había ensayado antes con el pianista, y aun así interpretó deleitosamente Una furtiva lagrima, de Donizetti.
Los cantantes de ópera que les precedieron fueron Antón Fustier y Juan Cuevas, de Santo Domingo; Meliangeé Pérez, de Puerto Rico; Mariela Peñaranda, y Armando Naranjo, de Miami. Naranjo le habló a Remolá directamente antes de cantar, agradecido por haber sido un modelo para los cubanos. Actuó como acompañante al piano Félix Spengler, que después de la función se fue para Nueva York, a tocar en el Carnegie Hall el sábado.
Pero Remolá no quedó silente. Agradeció a todos por el homenaje y contó variadas anécdotas de su vida. Aunque hizo muchos personajes en las óperas, El ruiseñor, de la zarzuela María la O, de Ernesto Lecuona, se convirtió en su sello como cantante. “La Habana me gustaba mucho, por su alegría, por eso cuando fui de visita [en 1952 a los 22 años] me quedé”, dijo. La mamá de Plácido Domingo, Pepita Embil, la ayudó a maquillarse en una de sus primeras presentaciones en el teatro Payret.
En el evento recibió varios reconocimientos, entre ellos, el de la ciudad de Miami, del alcalde Tomás Regalado, y uno de la República Dominicana, que le entregó Enrique Sarubbi, director de la Casa Cultural Domínico-Americana.
ENTREVISTA DE JAIME SUCHLICKI A CARLOS ALBERTO MONTANER
Jaime Suchlicki, titular de la cátedra Emilio Bacardí Moreau de la Universidad de Miami, editor del Cuban Affairs Journal y director del Instituto de Estudios Cubanos y Cubano-Americanos, ICCAS, de UM, entrevistó al conocido periodista, ensayista y narrador Carlos Alberto Montaner, en la Casa Bacardí de esa institución.
Un público muy interesado en el enfoque que se le iba a dar a su última novela, Otra vez adiós, le hizo preguntas relevantes al autor, quien por lo regular se inspira en la historia para novelarla.
olconnor@bellsouth.net
Fuen
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‘El espíritu burlón’, fantasmas en Miami

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AARIAS-POLO@ELNUEVOHERALD.COM

El Idearium Teatro sigue apostando por la comedia con El espíritu burlón, un clásico de Noël Coward que llega al Teatro Trail dirigido por Manuel Mendoza.
El reparto está conformado por Marisol Correa, Carlos Cruz, Roxana García, Danly Arango, Bianka González y tres debutantes en las tablas de Miami: Ismael la Rosa, Crisol Carabal y Meche Velandia, el conocido personaje popularizado por el presentador Raúl González en el espacio televisivo Despierta América (Univisión).
En la historia, un escritor invita a cenar a una célebre médium con el propósito de obtener información para su próxima novela. Para su sorpresa, durante el encuentro se le aparecerá el fantasma de su mujer.
La versión de Mendoza fue escrita por Julián Quintanilla, quien adaptó el argumento de Coward al Miami de hoy, tal como lo hizo en Toc Toc, un éxito de la compañía que regresará al mismo escenario en los próximos meses.
La producción de Patricia y Manuel Mendoza tiene música original de Silverio Lozada, diseño de vestuario de Samy Gicherman y Karlos Anzalotta, luces de Alejandro Barreto, gráficas de Mariana Conte y relaciones públicas de Campins Media y Eduardo Ortiz.
El espíritu burlón ( Blithe Spirit, 1941) se llevó al cine por David Lean en 1945, con Rex Harrison en el papel principal.
La obra de Coward (1899-1973) no solo abarca todos los géneros teatrales. Su labor como actor, autor de canciones, narrador, poeta, guionista, productor y director de cine lo ubica entre los artistas ingleses más versátiles del siglo XX. • 
‘El espíritu burlón’, viernes y sábados, 8 p.m., y domingos, 5 p.m. en Teatro Trail, 3715 SW 8 St. (305) 443-1009 y www.elidearium.com. Solo tres fines de semana.

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‘Señoras’, excelente trabajo de las actrices

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ESPECIAL/EL NUEVO HERALD

Tres hermanas al borde del abismo de sus vidas asumen su ancianidad y frustraciones con la unidad del cariño que se tienen y la necesidad de ser reconocidas y atendidas por la familia que cada una ha creado. Son tres mujeres muy diferentes, tres historias, tres conflictos humanos enlazados por aspiraciones y por un cuarto personaje, el desvencijado hogar que comparten.
Ese es el lugar que expresa con precisión naturalista la vida que tuvieron y la que ahora tienen, pero que en cualquier momento se les escapará para siempre. En una sala comedor con sofá, televisor, mesas, sillas, tocadiscos, lámparas, vajillas y tres puertas bastante funcionales teatralmente, se bordan con buen humor los anhelos y miedos de los personajes, sus rencillas sin resolver y el fuerte aliento vital que todavía las impulsa o aterroriza. A lo largo de la obra ellas aluden a un misterioso cuarto al que no se arriesgarán a entrar hasta el final, lo cual podría ser el fin de sus vidas o el inicio de lo que siempre soñaron.
Señoras, del autor venezolano José Simón Escalona y dirigida por David Chacón Pérez, presenta en la sala Teatro Ocho esas preocupaciones que obsesionarán a la humanidad mientras exista. El “quién soy”, “de dónde vengo” y “adónde voy” adopta en la puesta teatral una perspectiva, si se quiere, cercana a una puesta en escena para televisión. Los medidos desplazamientos escénicos, la ubicación de las ancianas casi siempre sentadas, la iluminación, más que la música, al recrear diferentes atmósferas dramáticas y, por encima de todo, la importancia visual y la gracia de las actuaciones, aproximan la sencillez de la elaboración escénica a la condición cansina de unas vidas muy cerca del ocaso.
Entonces, el trabajo de las experimentadas actrices cubanas Martha Picanes, Daisy Fontao y Teresa María Rojas ofrece el recurso principal sobre el que descansa la obra. Incluso, por momentos, vemos crecer el espectáculo con la conmovedora profundidad dramática de Rojas, las sutilezas, sensibilidad e inteligencia interpretativa de Fontao y la elegancia y encanto expresivo de Picanes. Sin ellas esta representación tendría otro derrotero y establecería una débil comunicación con los espectadores. Cada una aporta una línea interpretativa diferente que, no obstante, logra armonizar en la medida que los roles y psicologías despliegan matices verosímiles que no consiguen cohesionar el relato del espectáculo pero sí protegen un delicado lirismo que permanece en el fondo de los sucesos.• 
habeyhechavarria@gmail.com

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Jay-Z revive controversia con nueva canción de su viaje a Cuba

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JTAMAYO@ELNUEVOHERALD.COM

Justo días después de que visitara La Habana con su esposa Beyoncé, el rapero Jay-Z lanzó un ataque musical a los críticos de su viaje al país de gobierno comunista, el embargo estadounidense y a su creciente imperio empresarial.
“Muchacho del barrio, tengo permiso de la Casa Blanca”, declara el desafiante rapero en la canción Carta abierta, publicada el miércoles en internet. “Me quieren dar tiempo de prisión y una multa/ Bien, déjenme cometer un crimen verdadero”.
Miembros cubanoamericanos del Congreso y grupos de exiliados le preguntaron la semana pasada al Departamento del Tesoro de EEUU si la pareja de superestrellas tenía un permiso para su visita. El Tesoro respondió el martes que sí.
Pero Jay-Z, cuyo verdadero nombre es Shawn Carter, revivió la controversia con la nueva canción, al rapear: “Estoy en Cuba, me gustan los cubanos – una referencia a las personas, así como a su bien conocida afición a los habanos – y “Escucha la libertad en mi discurso”.
“Esta conversación sobre el comunismo es tan confusa/ cuando es de China el micrófono que uso”, rapeó al referirse a su opinión de que es hipócrita mantener el embargo comercial de EEUU contra Cuba cuando existe un comercio y viajes libres con China.
El rap también contiene una línea que se puede tomar como una referencia a las críticas contra el presidente Barack Obama por su amistad con Jay-Z. “Obama dijo ‘Buena onda, vas a hacer que me hagan un juicio político. No necesitas [mala palabra] de ninguna manera, relájate conmigo en la playa”.
Jay Carney, portavoz de la Casa Blanca, al preguntársele el jueves en una sesión de información si la línea indicaba que Jay-Z había hablado con el presidente sobre el viaje a Cuba, bromeó en que aparentemente es difícil encontrar una rima para “Tesoro”.
“Estoy absolutamente diciendo que la Casa Blanca, del presidente para abajo, no tiene nada que ver con un viaje personal de nadie a Cuba. Eso es algo que maneja el Tesoro”, dijo Carney.
Presionado por una periodista, agregó: “Es una canción, Donna”.
El rap de 2:41 minutos estuvo igualmente dedicado a Cuba y a las controversias que rodean su participación accionaria minoritaria en los Nets de Brooklyn de la NBA y su nuevo negocio que representa a atletas como Robinson Canó, de los Yankees de Nueva York.
“Voy a llevar gratis a los Nets a Brooklyn / excepto que hice millones de ustedes [mala palabra] bobos”, cantó. “Todavía soy dueño del edificio, aún tengo mis asientos/ ustedes todos compraron eso [mala palabra]/ Mejor mantengan sus recibos”.
En cuanto a su reciente trato multimillonario con Universal Music Group, rapeó: “Recibí una cebolla de Universal, léela y llora”.
El viaje de cuatro días de Beyoncé Knowles y Jay-Z a Cuba causó agitación al pasear ellos por La Habana Vieja, asistir a varias representaciones culturales y cenar, con sus madres y guardaespaldas, en restaurantes. El embargo estadounidense restringe las visitas a la isla por parte de ciudadanos y residentes de Estados Unidos que no son cubanoamericanos.
El alboroto se había calmado hasta que Jay-Z publicó Carta abierta.
En Miami, la Fundación Nacional Cubano Americana se quejó de que la pareja “vive un estilo de vida que no está al alcance de los cubanos en su propio país y propaga las mentiras del gobierno cubano. Ciertamente, no hay tal cosa como la libertad de expresión en Cuba”.
“Aunque diferente en ideología política y tiempo histórico”, agregó la fundación en un comunicado, “uno se pregunta si Jay-Z y Beyoncé hubieran visitado a Nelson Mandela en la Sudáfrica del Apartheid”.
Mauricio Claver Carone, director ejecutivo del comité de acción política a favor del embargo US Cuba Democracy, con sede en Washington, dijo que el rapero probablemente “ganará millones” con Carta Abierta. “Elogiamos y defendemos su derecho a hacerlo. Bueno para él”.
Pero Jay-Z debió considerar también el caso de los raperos cubanos, como Angel Ramón Arzuaga, encarcelado desde el 21 de marzo, y otros constantemente reprimidos por letras que atacan al gobierno de Raúl Castro, destacó Claver Carone.
“Jay-Z podría haber hecho una línea de la letra para ellos”, agregó. “Está mal que no lo hiciera – porque ellos encarnan la audacia”.
El productor de internet de The Miami Herald Adrian Ruhi contribuyó a este reportaje.

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Eximen a la Feria del Libro de Buenos Aires del pago de gravámenes

By : Unknown
Publicado: abr. 11, 2013 at 5:01 AM
BUENOS AIRES, abr. 10 (UPI) -- Se eximió del pago del derecho de importación y demás gravámenes a los productos de los países participantes de la Trigésimo Novena Exposición Internacional del Libro de Buenos Aires.
Por Decreto 347/2013 publicado en el Boletín Oficial se exime del pago del derecho de importación y demás gravámenes a los productos procedentes de los países participantes en la "Trigésimo Novena Exposición Feria Internacional del Libro de Buenos Aires", a realizarse en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires del 23 de abril al 13 de mayo de 2013.
Precisa que se los exime del pago del pago del derecho de importación, del Impuesto al Valor Agregado, de los impuestos internos, de tasas por servicios portuarios, estadística y comprobación de destino, que gravan la importación para consumo de libros, incluyendo libros de estampas, atlas y libros musicales, impresos sobre papel o reproducidos sobre soportes magnéticos, ópticos o electrónicos, impresos en cualquier idioma aun los producidos en países que no integran el área idiomática castellana.
También a los materiales complementarios que acompañan la edición tales como: fotografías, discos, discos compactos, disquetes, casetes, videos, material promocional, catálogos, folletos y elementos de construcción y decoración de stands, originarios y procedentes de los países participantes en la Feria del Libro. Los productos mencionados serán para su exhibición, obsequio y/o venta en la mencionada muestra, por un monto máximo de U$S 5.000 por país participante, tomando como base de cálculo valores FOB.
También se exime del pago del Impuesto al Valor Agregado y de los impuestos internos a la venta de los productos mencionados entre el público concurrente a la citada muestra, de corresponder su aplicación. Se instruye a la Administración Federal de Ingresos Públicos (AFIP) a que practique los controles pertinentes en la Feria, con el objeto de que la mercadería ingresada con los beneficios establecidos sea destinada exclusivamente a los fines propuestos por la Ley Nº 20.545.
LATAM: Reporte (drm)

Fuente: http://espanol.upi.com/Noticias-destacadas/2013/04/11/Eximen-a-la-Feria-del-Libro-de-Buenos-Aires-del-pago-de-grav%C3%A1menes/UPI-12601365670860/
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